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Entrevista a Juan Antonio Mateos «Grabaciones Sumergidas»

¡Muy buenas! Hoy nos hemos desplazado a El Puerto de Santa María, al estudio “Grabaciones Sumergidas” para hablar con Juan Antonio Mateos, su técnico y director.

Ya estuvimos previamente aquí para hablar de su grupo, “The Magic Mor”, así que es un placer estar de nuevo con él y de paso anunciar que va a ser nuestro profesor de producción musical aquí en Islamúsica.

Por tanto, en esta ocasión vamos charlar con él sobre técnicas y procesos en un estudio, como la grabación, edición, mezcla o mastering, entre otras cosas.

A las prestaciones y mejoras continuas de Grabaciones Sumergidas, tanto en el equipo como en la sala de grabación que hicieron hace pocos años y que hemos comprobado que tiene una acústica muy buena, hay que sumar que han habilitado una casa junto al estudio para que los músicos que vienen de fuera puedan alojarse aquí mismo durante el tiempo que estén grabando.

Comenzamos con la entrevista, que puedes escuchar en el siguiente vídeo o leer en la transcripción que hay más abajo.

 

 

ENTREVISTADOR: Fernando Ramos (FR)
ENTREVISTADO: Juan Antonio Mateos (JA)

FR: ¿En qué crees que se deberían fijar los músicos antes de elegir un estudio donde grabar?

JA: El criterio a seguir en la elección de un estudio debe ser un criterio de estilo. Tenemos la suerte de que hoy en día existen muchos estudios y mucha gente que lo hace bien en su “Home studio”, lo que nos permite poder elegir por nuestra zona sin desplazarnos mucho por trabajos que hayan hecho, con un trabajo previo de investigación escuchando discos.

FR: ¿Qué elementos te parecen más importantes en un estudio, la acústica del mismo, su equipo: microfonía, previos, etc, el técnico?

JA: Yo en este sentido soy un poco práctico y lo que valoro después de escuchar un disco es sobre todo que te guste, ya sea a nivel técnico, por la mezcla, los arreglos que tiene en la producción, por encima de la ubicación del sitio o el propio equipamiento del mismo.

FR: Por ejemplo para el que va a montar su propio “home studio”, ¿Qué crees que debería tener antes?

JA: Está claro que todos los eslabones de la cadena son importantísimos, pero es cierto que hay prioridades y un proceso de aprendizaje que es el que realmente marca la diferencia al ir adquiriendo experiencia.

Dentro de los equipos, yo pongo especial énfasis en la cadena por supuesto al músico y al instrumento, y en la parte más técnica al la micrófonía sobre todo, seguido del preamplificador, que es al colorear la señal el que te permite cierto margen creativo en el sonido

FR: ¿Recomiendas a los grupos o solistas hacer una pre-producción antes de venir al estudio?

JA: Normalmente los mejores resultados se obtienen cuando se ha hecho un trabajo previo en casa de preproducción, cuando todo viene trabajado y aquí optimizamos todo eso.

De todas formas, también se nos dan casos de músicos que vienen con las acordes y estructuras bastante abiertas y se trabaja desde otro camino.

Eso también está guay porque suele pasar que los grupos traen una serie de temas casi hechos y es el nuevo, que está más abierto, con el que más contentos se quedan.

Por eso les hago mucho hincapié en que aunque es importante preparar antes los temas, hay que venir con la mente abierta para poder transformar esas canciones porque aquí luego se ven las cosas de otra manera y suena todo distinto.

FR; ¿Cuál es tu proceso habitual al grabar? Sueles meter a la banda al completa y buscar una toma con feeling, para añadir luego recordings y voces o vas instrumento a instrumento?

JA: Como en todo, esto depende de lo que se quiera conseguir, depende del grupo y depende de muchos factores.

A mí me gusta mucho grabar en directo pero es verdad que la mayoría de las veces no es posible sobre todo por lo que quieres conseguir.

El directo lógicamente tiene la inmediatez y la energía esa que es buena para ciertos estilos y el grabar pista a pista tiene la facilidad de enfocar el tema poco a poco a distintos niveles, ver arreglos desde cero.

Aunque de las dos maneras se graban las pistas por separado y se pueden manipular y hacer lo que uno quiera con ellas, cada una tiene su energía.

FR: Parece que se atrapa un poco más ese “punto” del directo en los grupos de rock

JA: Yo diría que más que bandas de rock favorece a bandas que juegan con la dinámica y transmiten asía cierta energía.

Además al grabar en directo aunque parezca que se capta el momento y no se puede hacer posteriormente, hoy en día con las herramientas que tenemos se puede hacer mucho con ese material, como por ejemplo hacer un “re amp” sobre las guitarras ya grabadas para conseguir sonidos distintos.

FR: Además para que se entienda, es un directo relativo, ya que posteriormente se pueden hacer otros recordings de voces, solos, etc.

JA: Sí, después se puede hacer overdubs de lo que se quiera, meter algún arreglo, regrabar voces, pero si es verdad que esa energía ya se ha captado y se nota.

FR: ¿Y con o sin metrónomo o según el caso?

JA: A ver, ¿qué te digo? Yo diría según el caso pero realmente digo “sí” siempre que se pueda y antes tenía más peleas con los grupos pero ahora ya vienen con la lección aprendida.

FR: Hay grupos que no quieren ni para atrás la claqueta, músicos como Keith Richards que dicena que el maldito metrónomo no quieren verlo ni en pintura.

JA: Claro, pero yo creo que eso es algo que está muy asumido por todas las bandas porque quieras o no se ha ido profesionalizando todo e incluso en su forma de trabajar en los locales de ensayo ya tiene asimilado que los baterías tienen que trabajar con claqueta.

En definitiva yo digo que sí porque eso al final te abre un abanico de posibilidades inmenso, para la edición por supuesto, pero también a nivel de producción a la hora de ser más creativo porque lo tienes todo “a rejilla”, puedes manipularlo, puedes trabajar con MIDI de una forma más sencilla, facilitando todo mucho más.

 

clase de prueba de producción musical

 

FR: ¿Sueles editar las tomas y utilizar recursos para arreglar ritmos o afinaciones defectuosas o prefieres cierta naturalidad imperfecta?

JA: Yo creo que lo ideal es repetir hasta que la toma sea suficientemente buena. Prefiero por ejemplo que las voces tengan energía e intención porque eso yo no lo puedo simular con ningún plugin de ninguna manera aunque pudiera tener algún fallo de afinación en alguna nota que se pueden arreglar con alguna herramienta de afinación y no se nota nada.

¿Si prefiero hacerlo o no hacerlo? A mí me da el mismo coraje, digamos, escuchar una batería con redobles mal ejecutados o que rítmicamente no camina que escucharla súper robotizada, me produce el mismo rechazo.

Entonces siempre edito, pero intento que se escuche una batería de verdad, tocada por un ser humano, pero que tenga lo me gusta en una batería, que camine, que la articulación se escuche perfectamente y que tenga esa sensación de darte algo de verdad humano que no te lo daría el EZ Drummer o cualquier instrumento virtual.

Por eso nunca hago procesos automáticos porque al final el resultado se oye que es mentira y el autotune utilizarlo…

FR: Retoques moderados en general

JA: Sí, pero es peligroso el autotune porque empiezas a afinar las voces y entras en el modo absoluto de tono

FR: Perfeccionista…

JA: Y ya te parece que está todo desafinado porque tu referencia ya es perfecta

FR: Hablemos de la mezcla, mezclas en analógico o digital?

JA: Yo he pasado lógicamente por todos los procesos y sigo porque esto es una continua búsqueda de la mezcla ideal, pero habitualmente he mezclado en mesa con outboard de fuera y con plugins, he tenido sumadores también pero poco a poco por temas prácticos iba tirando de los plugins, hacía recall y me apuntaba las cosas, después cuando tenía que corregir me lo dejaba más o menos igual, me volvía loco con algún fader que no sabía cómo se había quedado…total, loque ha pasado cualquier técnico en un proceso de aprendizaje de la mezcla.

Pero, ¿qué pasa hoy en día? Por un lado tenemos que llegamos a unos niveles de exigencia y perfección en la mezcla que es muy complicado llegar haciendo un recall analógico, porque nunca llegas al mismo punto.

Cuando mezclas dentro subes medio DB a una cosa y a otra, cierras, te permite además estar trabajando con distintas sesiones el mismo día

FR: También los grupos han cambiado mucho en este sentido y también demandan algunos cambios a posteriori que antes no se hacían.

JA: Es una locura y ya te digo que actualmente la tendencia, no sólo aquí sino internacionalmente, es mezclar dentro, en digital.

Antes tenías que elegir entre toda la facilidad que te ofrece el recall digital y el carácter analógico que da el mezclar fuera aunque no se pudiera volver a ese punto, pero la evolución de los plugins ha sido brutal y lo que se consigue dentro puede tener ese sabor analógico, hay unos plugins ya de calidad impresionante.

FR: ¿Crees entonces que se nota mucho la diferencia entre mezclar ITB (In The Box) o OTB (Out The Box)?

JA: Yo te digo que trabajo todos los días haciendo mezclas que no se nota. Pueden ser dos procesos distintos pero se puede llegar por ambos al mismo resultado.

FR: ¿Qué opinas de la guerra de los volúmenes?

JA: Por suerte los estándares que se ha impuesto en Youtube, Spotify y demás han conseguido vencer esta guerra del volumen que se llama.

Creo que han servido para que aunque pongas el master a -4dB, sonando fatal, da igual porque cuando lo cuelgues en estas plataformas te lo va a poner al mismo nivel que un grupo de jazz que ha sido grabado a -12dB.

Por tanto poco a poco se ha ido educando, en primer lugar a los técnicos, que han entendido eso y sobre todo los que había que educar, que son los músicos.

Entonces yo personalmente, al igual que la mayoría de los técnicos, intento utilizar los procesos de mastering para conseguir un sonido, y aunque pongamos un limitador que no sea para machacar todo ese “headroom”

FR: No abusar y quedarte sin dinámica…

JA: Llegar al punto justo donde el objetivo no sea alcanzar el máximo volumen, que también está bien, pero sin distorsionar ni cargarte la mezcla que has hecho.

FR: Algún consejo sencillo pero a la vez básico tanto para técnicos como músicos, como repasar la afinación del instrumento permanentemente.

JA: Lo que comentas de la afinación está ya aquí a nivel de “toc” porque cada vez que hacemos una toma le vas diciendo lógicamente que afine la guitarra o el bajo y ya se lo toman ya casi a guasa.

Como consejo diría que hay veces que los músicos no escuchan lo que hace el compañero hasta que llegan aquí a grabar, y de repente el guitarra descubre que el bajista mete una nota inesperada o que quizás está mal y esos conflictos vienen porque no se escuchan entre ellos.

Y nos pasó de hecho una vez una cosa muy graciosa que ya es el extremo, en la que durante la grabación de las voces el bajsta se sorprendió al comprobar que la canción estaba en español.

Entonces creo que es fundamental darle importancia a escucharse bien en el local de ensayo así como en el directo, con herramientas que hoy en día están al alcance de todo el mundo como los auriculares “in-ear” o con una mezcla en monitores hecha con cabeza.

FR: Muchas gracias Juan Antonio por recibirnos aquí de nuevo, para cualquier cosa ya saben los músicos que aquí te tienen y nos vemos en Islamúsica con tus clases de producción musical.

JA: Muchas gracias por todo Fernando

Tenéis más información sobre el estudio de Grabaciones Sumergidas pinchando aquí

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